Por Natália Reis
“Such a satisfying idea – noise annoys – at once
simple-to-grasp kernel and yet capable of inflation into
the most grandiose theories of subversion. But… who
is there to be annoyed and in what ways?”
Simon Reynolds
Astro Noise foi o nome dado por Edward Snowden ao arquivo encaminhado à jornalista Laura Poitras em 2013 contendo os documentos que atestavam uma série de violações de privacidade cometidas por inteligências governamentais nos EUA pós 11 de setembro. A designação é uma referência ao fenômeno descoberto acidentalmente na década de 1960 pelos astrônomos Robert Wilson e Arno Penzias, conhecido como cosmic microwave background radiation (radiação cósmica de fundo em micro-ondas) – um tipo de “eco” ancestral do big bang captado através de um ruído constante nos equipamentos do Bell Labs e cuja radiação pode ainda ser detectada numa porcentagem ínfima da estática da TV. Em um curto ensaio para o catálogo da exposição artística de Poitras (também nomeada “Astro Noise”), Snowden compara a “canção secreta das estrelas” e a aleatoriedade com que pôde ser descoberta às técnicas de criptografia e descriptografia, que refletem tanto a proteção quanto a possibilidade de exposição de nossos dados.
O ruído por vezes é tido como sinônimo de erro, poluição, um fator externo de intromissão, não categorizável. Musicalmente falando, o crítico Simon Reynolds diz ser possível defini-lo como “interferência, algo que bloqueia a transmissão, atrapalha o código, impede que o sentido seja feito. (…) ocorre quando a linguagem é rompida, é um estado de afasia no qual nossa própria constituição corre perigo.”. Se em algum nível o ruído também pode ser compreendido em termos subversivos, a figura do whistleblower é potencialmente ruidosa quando expõe e desestabiliza um sistema perverso de vigilância e controle. Em Hacked Circuit (2014), filme dedicado a Edward Snowden e ao montador e sonoplasta Walter Murch, a realizadora Deborah Stratman explora a natureza dissonante do ruído para trazer à tona, num plano sequência de quase 14 minutos, procedimentos ocultos da sonorização cinematográfica ao mesmo tempo em que percorre sorrateiramente o espectro paranoico que tomava de assalto o cidadão comum após as revelações de Snowden.
Já nos primeiros segundos do curta-metragem, somos levados a uma espécie de estado de vigília. O tema musical de A Conversação (Francis Ford Coppola, 1974), um piano solitário e repetitivo composto por David Shire, parece controlar o ritmo com que o cinegrafista avança lentamente por uma rua escura e deserta com o steadicam. Aos poucos, a trilha dá lugar a um tipo de operação acusmática na qual sons de objetos pesados chacoalhados, estampidos e baques em superfícies de metal e madeira podem ser escutados, mas não localizados. Um zumbido persistente se mistura à campainha de um telefone e a uma voz masculina abafada enquanto a câmera prossegue em sua trajetória pela calçada até entrar em um edifício bem iluminado. Até esse ponto não existe nada que indique uma pista do ambiente, nenhum sinal da intenção por trás desse movimento perscrutador.
Os ruídos cessam para dar lugar à sonorização diegética, que emerge diante da visão de um homem no interior do local servindo café de uma cafeteira. Ele sai de quadro e uma panorâmica lentamente vai revelar o que até agora se manteve incógnito na imagem, mas presente no desenho de som: num estúdio (que mais tarde descobriremos se tratar do Sound Satisfaction, Inc. em Burbank, Califórnia), equipado com uma mesa de sonoplastia, um operador (o mesmo homem que vimos na antessala) observa nos monitores à sua frente Gene Hackman como Harry Caul, o protagonista de A Conversação, ao passo em que um artista de foley do outro lado da mesa acompanha com atenção suas movimentações.
A cena exibida em quatro telas de tamanhos diferentes retrata os momentos derradeiros do filme de Coppola. Nela, Harry Caul, um especialista que presta serviços privados de espionagem, colapsa ao contemplar a possibilidade de estar sendo submetido aos mesmos métodos de vigilância que empreende diariamente. O personagem de Hackman passa a buscar por dispositivos de escuta até destruir completamente seu apartamento, mergulhado na degradação das certezas que mantinha sobre sua privacidade. Lançado ainda no calor do escândalo de Watergate, e com Walter Murch responsável pela edição de som, A Conversação é uma obra que se apoia de forma substancial nos seus aspectos sonoros para estabelecer um clima delirante de vulnerabilidade e desconfiança. O que Stratman faz em Hacked Circuit é deslocar desse contexto um ponto crítico e desmontá-lo como quem exibe o esqueleto metálico de um mecanismo. O circuito é exposto, desvendado.
Numa coreografia quase orgânica e ao mesmo tempo cautelosa, a câmera se movimenta pelo estúdio testemunhando as técnicas empregadas pelo artista de foley, que troca instruções com o operador da mesa enquanto reencena, fazendo uso de diferentes objetos – um gesto que revela ainda outro aspecto do som, para além da comprovação: a dissimulação –, todo o episódio final de aniquilamento. O steadicam atravessa o ambiente e sai pela porta de trás num movimento de recuo, os sons são projetados para fora e o cinegrafista volta para a rua escura. O tema de Shire reaparece em meio a uma profusão de ruídos cada vez mais altos, reconhecemos a calçada, a esquina, reavistamos a entrada do edifício. Nesse movimento circular, o circuito se fecha e um pacto é selado. Cabe a nós como detentores do segredo desconfiar do que vemos e ouvimos a partir de então. Encerrar o filme “com pedidos de desculpas, gratidão e admiração” a Snowden e Murch é reafirmar a necessidade de atenção aos sistemas que se desenvolvem longe dos olhos, sejam eles de dedicação artística às paisagens sonoras, sejam eles de repressão.
